El teatro es un arte […] que siempre es escrito en el viento.

Peter Brook (1968). The Empty Space.

Dirigir y actuar en el teatro requieren tanta destreza como ser músico o bailarín.    Tal capacidad puede ser aprendida y desarrollada mediante  técnicas específicas que son el legado de los  maestros del pasado.  Sin embargo,  la técnica por sí misma   no hace milagros y ha de llegar a ser personalizada a base de un trabajo sistemático.  La creación escénica se fundamenta en el equilibrio entre espontaneidad y disciplina. Es un viaje que transforma a los participantes y para el cual se necesita cooperación, coraje, intuición e inteligencia. 

                                                                                                                                                        Julián Herrero 

INTERPRETACIÓN

La Interpretación en el Teatro de Texto

Desarrollar las capacidades de atención, memoria, emoción e imaginación, implicadas en la elaboración y actuación de un personaje con dimensión psicológica y social

* Prácticas sobre monólogos y escenas de tragedia, drama y comedia. Metodologías: Análisis Activo y Sistema de las Acciones Físicas (Stanislavski). Gesto Psicológico (Chéjov). Gestus Social (Brecht).

* El actor y su personaje: Sucesos, conflictos y tareas. Intenciones y subtexto. Línea de acción. Escucha y reacción. Quinésica y proxémica (Hall) escénicas. Segmentación de las acciones. Elaboración de la partitura. Sentido rítmico. Expresión emocional (Alba Emoting).

* El actor en escena: Posiciones, ángulos, trayectorias, movimientos y gestos (Viewpoints). Habla escénica: articulación y emisión (Berry). Interacción con los compañeros. Comunicación con el público.

PowerPoint: Croquis, análisis de escenas en vídeo. Bibliografía, apuntes. Muestras.

La actuación en el Teatro Físico

(Devised Theatre)

Proporcionar recursos creativos y desarrollar las capacidades requeridas en las artes escénicas donde predomina la expresión del cuerpo

* Prácticas de creación de solos, dúos y conjuntos. Metodologías: Comunicación no verbal (Quinésica, proxémica, paralingüística). Bases fisiológicas del movimiento. Ampliación de la conciencia corporal. Segmentación, coordinación, disociación. Sensopercepciones. Diseño, intensidad y ritmo del movimiento. Las 8 acciones básicas del esfuerzo (Laban). Biomecánica (Meyerhold). Gramática corporal (Decroux). Neutralidad. Presencia. Máscara expresiva. Topeng de Bali. La voz creadora de espacios, ambientes e imágenes sensoriales. Sonido vocal y acción física. Improvisaciones: Dinámicas de la naturaleza, de los animales, de los objetos (Lecoq).

* El actor como creador. Signos y códigos. Sistemas de comunicación. Materiales de partida y fuentes de inspiración: Vivenciales, literarias, visuales, auditivas. Estructura de la composición – creación: Comienzo, medio, final. Armonía y conflicto. Collage. Modos: narrativo, metafórico, abstracto, y estilo. Estímulos. Motivos. Desarrollo, repetición, variación y contraste, acumulación, clímax, transiciones.

PowerPoint: Croquis, análisis de material audiovisual. Bibliografía, apuntes. Muestras.

Entrenamiento psico-físico y vocal del actor

Aprender a elaborar un entrenamiento personal y autónomo aplicable a una amplia gama de estéticas teatrales

* Construcción de series de acciones físicas.

* Relaciones entre el entrenamiento y la actuación. Fuentes de inspiración y proceso desde la composición de una partitura hasta la construcción de una imagen escénica o de un personaje. Metodologías: Afinación (Stretching Global Activo y Feldenkrais). Principios pre-expresivos que regulan el funcionamiento psico-físico del actor (Antropología Teatral). Análisis del Movimiento (Laban). Biomecánica (Meyerhold). Mimo abstracto (Lebreton-Decroux). Acción-reacción y modulación de la energía (Grotowski – Barba). Técnica vocal (Odin Teatret).  

PowerPoint: Croquis, análisis de escenas en vídeo. Bibliografía, apuntes. Muestras.

Técnica Vocal

Desarrollar la expresividad actoral y optimizar la comunicación escénica

* Prácticas sobre textos teatrales en prosa. Metodologías (Berry, Blasco, Stanislavski): Respiración, resonancia, articulación y emisión. Significaciones de los elementos de la prosodia (timbre, tono, intensidad, proyección, acento, velocidad, pausas, ritmo, entonación) y la intencionalidad del actor. Otros signos paralingüísticos. Puntuación y musicalidad de la frase. La palabra expresiva: Dando significado al texto.

* Adecuación de la voz al tipo de espacio escénico y de sala. Empleo de micrófono.

Análisis de material audiovisual. Bibliografía, apuntes. Muestras.

Historia de la Interpretación

Adquirir una visión general del Arte del Actor en diferentes épocas y culturas identificando las teorías, estilos y técnicas característicos de cada una.

* La actuación en los teatros clásicos (grecorromano, renacentista y barroco, commedia dell’arte, Kathakali, Topeng, Ópera China, Nô/Kyôgen y Kabuki), en el teatro realista (Stanislavski, M. Chéjov, Brecht, Strasberg), en las vanguardias (Meyerhold, Vajtangov) y en la interculturalidad (Grotowski, Barba, Brook, Bogart, Suzuki). Testimonios de los actores más famosos y aportaciones a las prácticas contemporáneas. PowerPoint: Croquis, imágenes, análisis de escenas en vídeo. Bibliografía, apuntes.

Iniciación a la interpretación

Descubrir el teatro como una fuente de creatividad y de comunicación

* Prácticas sobre situaciones de comedia, drama y tragedia según un código realista y otro código estilizado. Metodologías: Desarrollo de capacidades psico-físicas básicas (alerta, concentración e imaginación; diseño, calidades y esfuerzo del movimiento; acción – reacción). Improvisaciones, juegos y ejercicios (M. Chéjov, V. Spolin, K. Johnstone). Análisis Activo (Sucesos, conflictos y tareas. Intenciones y subtexto). Sistema de las Acciones Físicas (Segmentación. Elaboración de la partitura). Expresión emocional.

* El actor en escena: Posiciones, ángulos, trayectorias, movimientos y gestos. El habla escénica: articulación y emisión. La interacción con los compañeros. La comunicación con el público.  

PowerPoint: Croquis, imágenes, análisis de material audiovisual. Bibliografía, apuntes. Muestras.

DIRECCIÓN ESCÉNICA

Dirección de Escena

Planificar y orientar el proceso de creación del espectáculo empleando la metodología más adecuada al proyecto específico

Prácticas sobre La gaviota, de A. Chéjov y Madre Coraje, de B. Brecht.

Contenidos:

* Análisis Dramatúrgico: El texto y el autor. Género, estilo, tono, temas, motivos, tópicos, símbolos. Organización y estructura. Lenguaje y procedimientos expresivos. Didascalias y acotaciones. Acción dramática: Argumento, fábula, trama, modelo actancial, espacio y tiempo. Construcción del mundo de la obra: Datos, sucesos, situaciones. Personajes: Biografías, configuración, caracteriología, funcionalidad y relaciones. Metas y conflictos. Intencionalidad de la obra.

* Procesos cognitivos (percepción, atención, memoria, emociones) en el teatro.

* Proyecto Escénico: Lectura contemporánea de la obra. Dramaturgia del nivel de intervención. Organización del texto para los ensayos. Conducir la percepción del espectador: Composición escénica con los elementos visuales (movimientos, espacio, tiempo, escenografía, indumentaria, objetos, iluminación, proyecciones, efectos) y auditivos (voces, música, sonidos, silencios) del espectáculo. Comunicación con los diseñadores de todos los elementos escénicos. Plazos de realizaciones, calendario y horarios de ensayos.

* Ensayos: Presentación del proyecto. Plazos para memorización de texto. Diario de ensayos. Dirección de actores. Ensayos parciales (escenas, situaciones, episodios, actos) y generales. Ensayos técnicos (canciones, bailes, luchas, etc.). Pruebas de vestuario y maquillaje. Ensayos generales incorporando todos los elementos escénicos. Fotos y vídeos promocionales. Narrativa escénica: Focos y planos de la atención, elementos de significación, ritmo de las unidades dramáticas y ritmo del espectáculo. Ensayos previos al estreno. Estreno. Ensayos de reajustes tras el estreno. Seguimiento de las actuaciones.

PowerPoint: Croquis, imágenes, análisis de escenas en vídeo. Bibliografía, apuntes.

 

Composición Escénica

Comprender la interrelación de los elementos significativos del lenguaje escénico y orquestarlos para capturar y dirigir la atención del público

* Principios de percepción audiovisual (Gestalt), estrategias de composición espacio temporal (armonía, contraste) y su aplicación escénica en la orquestación de todos los elementos escénicos implicados. El itinerario de la atención en el espectador. Centro de interés. Destaque.

* La composición de las acciones en el actor. Tráfico escénico. Estímulos y fuentes para la composición. Secuenciación y montaje. Ritmo. PowerPoint: Croquis, imágenes, análisis de material audiovisual. Bibliografía, apuntes. Muestras.

Dirección de actores

Proporcionar a los directores determinados recursos que potencian el trabajo de los actores, así como un léxico que facilite la comunicación en los procesos creativos

Prácticas sobre escenas y creación de sketches.

  1. En el teatro de orientación textual: Análisis del texto. La construcción del mundo de la obra: Datos, sucesos, situaciones. Personajes: Biografías, configuración, caracteriología, funcionalidad y relaciones. Metas y conflictos. El Análisis Activo: Estudios, intenciones y subtexto. Línea de acción.
  2. En el teatro de orientación corporal, Devised Theatre: Materiales de partida y fuentes de inspiración. Cooperación y compacidad del grupo. Coherencia estilística. Análisis del movimiento (Laban). Biomecánica (Meyerhold). Gramática Corporal (Decroux). Máscara neutra y expresiva (Lecoq). Improvisaciones sobre temas: Dinámicas de la naturaleza, animales, objetos, situaciones humanas. Selección y segmentación de las acciones. Impulsos. Expresión emocional.
  3. En ambos casos: Comunicación no verbal (Quinésica, proxémica, paralingüística): Del comportamiento cotidiano al comportamiento escénico. Conciencia corporal. Diseño, intensidad y ritmo del movimiento. Improvisaciones, juegos y ejercicios para la afinación de los actores (M. Chéjov, V. Spolin, K. Johnstone). Posiciones, ángulos, trayectorias, movimientos y gestos. El habla escénica: articulación y emisión. La interacción con los compañeros. La comunicación con el público. Planificación y seguimiento de los ensayos.

PowerPoint: Croquis, análisis de material audiovisual. Bibliografía, apuntes. Muestras.

Historia de la Puesta en Escena

Identificar las teorías, estilos y procedimientos de escenificación en diferentes épocas y culturas, especialmente en el siglo XX

* La escenificación en los teatros clásicos (grecorromano, renacentista y barroco, commedia dell’arte, Kathakali, Topeng, Ópera China, Nô/Kyôgen y Kabuki). Realismo y naturalismo (Brahm, Antoine, Stanislavski). Simbolismo (Craig, Copeau, Lugné-Poe). Constructivismo y Biomecánica (Meyerhold). Extrañamiento (Brecht). Teatro de la crueldad (Artaud, Living Theatre). El teatro pobre (Grotowski). Brook y el espacio vacío. Minimalismo (Wilson). Puntos de vista escénicos (Bogart). Antropología Teatral (Barba, Schechner, Zarrilli). Kantor y el teatro de la muerte. El Método Suzuki.

PowerPoint: Croquis, imágenes, análisis de escenas en vídeo. Bibliografía, apuntes.

Espacio Sonoro

Conocer las posibilidades de potenciación del espectáculo a partir de los sonidos

* Tipología, calidades, carácter y funciones del sonido en el teatro. Relaciones entre los sonidos, la música, las imágenes y la palabra. La música y las emociones. Análisis de obras teatrales musicales.

* Fases del diseño de sonido.

PowerPoint: Croquis, imágenes, análisis de material audiovisual. Bibliografía, apuntes.

OTROS CURSOS

Preparación para audiciones y pruebas de acceso a los estudios de arte dramático

Audiciones para teatro, cine y televisión: La elección de las escenas y monólogos. Precalentamiento físico y vocal. Posiciones, ángulos y trayectorias escénicas. Movimientos y gestos. El habla escénica: articulación y emisión. Los planos cinematográficos, tus posiciones, ángulos, miradas, gestos, la continuidad.

Pruebas de acceso específicas en ESAD’s:

1-A: Análisis del texto dramático dado. 1-B: Escritura creativa: generación de diálogos tras la proyección de una escena sin sonido. 2-A: Dominio de los factores del movimiento y expresividad. 2-B: Interpretación de una canción. Recitado de un poema. Lectura expresiva de un texto. 2-C: Interpretación de un monólogo dado.

El inglés en el teatro

Para actores y directores que se disponen a iniciar estudios teatrales en el extranjero.  Términos y expresiones teatrales más frecuentes en inglés en el trabajo del actor y del director. PowerPoint: Léxico y definiciones.

CONFERENCIAS – DEMOSTRACIONES SOBRE TEATRO ORIENTAL

Teatro y danza en la isla de Bali.

En su entorno histórico, cultural, religioso y artístico.

1.- Conferencia: PowerPoint, croquis, imágenes.

2.- Documentales y fotos de producción propia.

3.- Actuación de tres danzas-teatro con máscaras Wayang Topeng: Penasar, Tua y Patih.

4.- Coloquio.

Todo el material empleado fue realizado por artistas balineses expresamente para el profesor Herrero.

Curso opcional: Práctica de posiciones, desplazamientos y movimientos. Aplicaciones al trabajo del actor occidental.

El teatro Nô de Japón.

En su entorno histórico, cultural, religioso y artístico. Literatura, composición escénica, arte del actor.

1.- Conferencia: PowerPoint, mapas conceptuales, imágenes.

2.- Análisis de la obra Dôjôji en vídeo.

3.- Actuación de dos escenas de las obras Yuya y Funa-Benkei.  

4.- Coloquio.

Curso opcional: Práctica de las katas del teatro Nô y sus aplicaciones al trabajo del actor occidental.

DOCUMENTALES. Realización: Julián Herrero.

(Contextualización previa. Proyección. Coloquio)

1.- Konstantin Stanislavski y el Teatro del Arte de Moscú.

2.- Meyerhold y la Biomecánica.

3.- Jerzy Grotowski y el Teatr Laboratorium.

4.- Eugenio Barba y el Odin Teatret.

5.- Magia y Rito en la isla de Bali.

6.- Los teatros clásicos de Japón.

7.- Brecht, trabajo, amor y celos en el exilio (en preparación).

8.- Akropolis, de Grotowski-Teatr Laboratorium, subtitulado.

9.- El camino hacia el Teatro Físico.

CICLO: EL TEATRO EN EL CINE

Introducción, contexto (15 min.). Proyección de la película. Análisis y coloquio (30 min.).

Programa:

Hamlet (G. Kozintsev), West Side Story (R. Wise), Rey Lear (G. Kozintzev), Vania en la calle 42 (L. Malle), Macbeth (O. Wells), Muerte de un viajante (V. Schlöndorff), El mercader de Venecia (M.), Los niños del paraíso (M. Carné), Otelo (S. Burge), La importancia de llamarse Ernesto (A. Asquit), Cyrano de Bergerac (J.-P. Rappeneau), El sueño de una noche de verano (M. Hoffman), La señorita Julie (A. Sjöberg), Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny (B. Large), Ran (A. Kurosawa), Trono de sangre (A. Kurosawa), Double souicide (M. Shinoda), El inspector general (H. Koster), La Gaviota (S. Lumet), Bodas de sangre (S. Ben Barca), La Ópera de cuatro cuartos (W. Pabst), El repartidor de hielo (J, Frankenheimer), El zoo de cristal (A. Harvey), Marat-Sade (P. Brook), ¿Quién teme a Virginia Wolf? (M. Nichols), Molière (A. Mnouschkine), La sombra del actor (P. Yates), El Mahabharatha (P. Brook).